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『壹』 谁能提供一些对音乐厅建筑的声学分析..

1453年东罗马帝国灭亡之后,教会的威信下降,世俗的力量上升,思想自由的限制逐
渐地已力不从心,科学研究日渐盛行,理性的信仰开始取代对神明的膜拜.经过了一个多世
纪eQ难探索的岁月,欧洲终于迎来了奇伟壮丽的文艺复兴.这是一个在科学,哲学,文学,
艺术诸多领域中百花争妍,纷纷奏响"知识就是力量"的凯歌的时代.音乐也从教堂中走出
来,进入王公贵族的府邸和富人私宅的客厅中.
1古典时期
17世纪,音乐艺术发展迅猛,这时期已经有了以弦乐为主,并有木管乐器,铜管乐器
组成的室内乐队:到了17世纪末,己具有了早期的古典交响乐团;17世纪70年代末出现
了欧洲最早的专业音乐厅—伦敦约克大厦音乐厅(200座).这时期演奏音乐的音乐厅在
整体和局部关系上都是以天体和谐为根据,还从音乐中吸取比例和和谐,并承袭了16世纪
意大利帕拉第奥(1518-1580)设计的厅,室所常用的3:2长宽比:因此,这时期音乐厅
的体型是矩形的,其高:宽;长的比例常为]二2.3二3.7,符合"黄金率".
古典时期音乐厅的建筑风格仍沿袭宫廷客厅的特点,其空间形象容易辨认,尺度和比
例有节奏上的均衡性,合理和有人性,与安静的生活方式相贴切,由于容积小,比例符合"黄
金率",扩散好;混响时间短〔约1,G-1-3秒i;直达声强,各表面的反射能力强,所以清
晰度高,亲切感强.这时期以巴赫(16851750),亨德尔(1685-1759)作品风格为代表
对音节,明晰的要求也正是很重要,各部分不能有掩蔽.所以音乐厅的音质特性与音乐风格
是相适应的.
2巴洛克时期
18世纪初,管弦乐队的概念和模式己基木形成,阿尔坎杰洛 科雷利(-1713)的
室内奏鸣曲和大协奏曲是巴洛克器乐作品的典范.is世纪中,管弦乐队逐渐成型.到了18
世纪末,交响乐队己经具有包括一个力量平衡的弦乐器组,双管编制的木管乐器组,两支园
号,两支小号和一组铜鼓.
由于社会发展,音乐走向社会,在伦敦,巴黎,莱比锡,柏林,维也纳等地经常举行
公共性的音乐会,为此建造了不少的公共音乐厅.如英国牛津Holywell音乐厅(1748年)
约300座,满场混响时间约1.5秒:德国莱比锡Altes Gewandhaus (1780年)400座;满场
混响时间不会超过1.3秒:维也纳Redoutensaal 800座,该厅建于1631年,建成后又经过不
断地改建,最后完成于1700年,倒堵有浅挑台,高度增到16m,所以是最早的"鞋盒式"
的音乐厅,,K.响时间大约为1.4秒.
这时期的音乐厅的规模己大于17世纪的客厅式的音乐厅.由于容量增多,厅内侧墙和
后墙建有挑台,厅高度大约为15m左右,宽度约为16m左右,空间的比例大约为1:1:2
已是"鞋盒式"的体型.混响时间为1.5-1.7秒.厅内具有丰富的音调,声场扩散,具有明
晰和亲切感,适宜演出贝多芬早期(1820年以前)的作品.
厅内己从古典建筑风格渐渐演变为巴洛克风格;这种风格强调和用手法来制造特殊的
艺术效果,因此大大地吸引了那些讲究排场的王公贵族,那些宫廷客厅的布局是层次高低起
1
伏很大,墙面凹凸明暗,装饰丰富,珠光宝气.但是空间和谐,富丽.巴洛克音乐强调情感
表现,丰富多样,充满着美妙的内涵,但又往往不可避免地带上浮华,傲作和对纯形式的追
求,缺乏深度.所以这时期的音乐厅在声学特点上与巴洛克建筑和音乐的风格是相适应的,
具有很好的声誉.
3.浪漫时期
18世纪中叶以后是历史学家以英国资产阶级革命作为近代史的开端,当时在文学,艺
术,哲学的思潮更新迭起,法国革命的风暴和拿破仑时代过去之后,法国的浪漫主义开始了.
欧洲的音乐经历了巴洛克时期发展到了浪漫"'明,这时期的音乐人才辈出,群星璀璨,是音
乐的黄金时代.音乐成为新兴资产阶级市民`6文化生活所必须,欧洲开始出现了规模比以往
大得多的,主要供音乐演出的公共音乐厅:泛芝音乐厅大部分是模仿音质成功的音乐厅建造
的,因此在造型,空间,内部安排和建筑处理等甚至声学特性都是相似的,这类音乐厅有
Old Boston Sympheny Hall (1863年),2400座,混响时间为1.8秒;维也纳Grosser Musik
Vereinssaal(1870年),1680座,混响时间为2.0秒;巴塞尔Stadt-Casino (1876年),1400座,
a响时间为2.1秒;格拉斯哥Andeew's Music Hall (1877年),2130座,混响时间为1.9秒,
该厅在演奏台后布置了座席,可以吸收大声功率乐器的音量,如打击乐器,铜管乐器等,获
得了好的各声部之间的平衡.这也是后来围绕式音乐厅的雏形;莱比锡Nut c Gewandhaus
(1886年),1560座,混响时间为1.55秒:阿姆斯丹达音乐厅(1888年),22(,0座,混响时
间为2.0秒.其中佼佼者则以维也纳音乐厅,容积(V)约15000m3,总表面积(S)约4000护,
每座容积为9矿,宽(W)为21m,高(H)为17. 5 m,长(L)为40 m,空间比侧为1:1.2:
2. 3 (H:.:L).这座被称之为"金色大厅"的宏伟建筑由泰奥菲尔.汉森设计金碧辉煌的
建筑风格和华丽璀璨的声学效果使其无愧于"金色"的美称.著名指挥卡拉扬赞道:"大厅
的声音很丰满,低音很丰富,高音弦乐的音色也很美……,这是一个能唤起人C高度想象力
的大厅,它给指挥以美感".到现在仍为音乐厅建筑的典范.
这时期所建音乐厅的容积较大,为10000^-20000 m ,容量为2000座左右,空间较大,
每座容积为7.10护,其比例约为1:1-1.3:2.3-2.6扭:w:L)比例修长,纤巧,但仔
细分析一下其空间会发现:以指挥处为割点,听音区与演奏区的长度比例约为1.618二la
这类音乐厅的宽度约为20.左右,厅高为15-19.,长度在40.左右,因有侧向浅挑台,
所以高与宽的比例接近为1二1.容积(V)与总面积(S)之比约在3.7左;5,"鞋盒式"的空
间;沿侧墙有浅挑台和后墙有挑台,演奏区和听音区共处在同一空间中:厅内装修典雅华丽,
具有大量的雕塑以及大型水晶灯,声场扩散,混响时间为1.8-2.2秒,直达声与混响声的
声能比例较小,形成音调丰富而清晰度较低的音质特点,成为演赛浪没派音乐作品的典型环
境.这些音乐厅大都是古典复兴和巴洛克或罗可可风格的折中,但都具有端庄蔽华的艺术形
象,不同凡呐的声学效果.到现在还是音乐厅建筑的声学和建筑空间的典范;所以它们在室
内声学的发展史上具有相当大的贡献,同时也是建筑艺术中的珍品和瑰宝.
4.新建筑时期
19世纪末到20世纪初,人和物质世界之间的关系显示出对科技规律的遵从,主张理性
至上:"功能决定形式"的设计思想得到了广泛地接受,并认为设计建筑应有科学根据,该
时期的科学发展在观演建筑的功能,视线,照明,声学,舞台机械甚至空调技术等方面的成
就都适时地提供设计的根据.另外,荃于社会的发展,人们对音乐的需求,迫切要求建造大
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ilwewe日月..,.,11
容量的音乐厅.以上种种促进了建筑师对设计音乐厅的变革和创新的思潮.但是,无论从建
筑艺术的表现形式,与功能结合的合理性上,还是对科学技术的运用上等都存在着很大的矛
盾和不成熟,这充分表明了该历史时期的时代特点.
这时期建造了不少的音乐厅,著名的有:
芝加哥Orchestra Hall(1891一1905),2582座,混响时间为1.3秒.为了解决视线问
题,取消了厅内的侧向浅挑台;为了增加容星,建造了两层大挑台:池座有不高的升起:厅
内处理手法明显地具有古典歌剧院的影响,但是演奏区和听音区仍处在同一空间中.演奏区
的顶棚和听音区的项棚都连在一起做成向上倾斜,有利于一次声反射.厅内音质千涩,但清
晰.纽约Casnegie HaI1(1891年).2760座,馄响时(a]为1.7秒.正厅平面近乎正方形(30m
X 34m) ,第二和第三层为围向演奏台口呈马蹄形的包佣,如同古典歌剧院:第四和第五层为
大桃台.厅高为24m.演奏区明显地形成镜框式台口:管风琴在台内的侧墙处.厅内音质一
般.伦敦Queen's Hall(1893年),2000座,混响时间为1.3秒.在演奏台两侧有凸形墙面,
可以将乐队的声音均匀地反射到听众席.该厅音质不很理想.爱丁堡Usher Hall(1914年),
2760座,混响时间为1. 7秒.听音区为马蹄形平面.具有两层挑台,它们围向演奏台,具
有现代剧场的特点,但又明显地具有古典歌剧院的影响.演奏区为尽端式,两侧墙的斜角小
于100,对声反射有利.乐队后有合唱队的座席.明显地把演奏区和听音区分为两个区域:
形成镜框式台口.由于演奏台上有谐振现象,对低频声有"染色"现象,厅内声扩敞不好,
音质粗糙.并且声场不均匀.
这类音乐厅的容里大约2500^2800座.大厅体型样式不同于传统音乐厅"鞋盒式"的
样式,与古典歌剧院的形式相仿,由于容量多,视线短,所以厅的宽度大;由于多层挑台.
高度为18-20m,所以容积很大,但是容积与总表面积((V/S)之比并不大,所以混响时间并
不长,丰满度较差,同时因宽度大,所以对反射声的理解是初步的,不全面和处理不成熟,
不系统,反射声的时序和方向也不好,因此音质并不好.但是,由哈佛大学著名声学教授赛
宾,根据他通过实验得出的室内混响时间的理论作为指导,进行设计建造的新波士顿音乐厅
(190.年),2631座,混响时间为1.8秒,则获得非凡的成功,并与维也纳音乐厅,阿姆斯
特月音乐厅同被誉为三大著名古典音乐厅.在建筑艺术上,该厅承袭了19世纪末以前古典
音乐厅的模式-—"鞋盒式"的体型,侧墙有两层浅挑台,后墙有两层挑台.演奏区为尽端
式,侧墙和顶棚具有V度,以利反射.厅的高度(H)为18.5m.宽度(W)为23m,长度(L)为39. 5m,
空间比例(H:W:L为1 : 1. 24 : 2. 14,符合"黄金率".赛宾在设计该厅时,坚持了声学科
学的原则,拒绝了业主提出容量为维也纳容量(1680座)两倍的要求,而为2631座,保持了该
厅的"鞋盒式"的空间比例,改进了演奏台上高而斜项拥,以利反射.
5现代主义(二次大战前)
欧战前夕,西方建筑界继承了"新建筑"运动的革新精神,力图挣脱学院派复古主义,
折衷主义的束缚,进行各种.新"建筑的探索,日渐形成了"现代建筑".战后以德国的格
罗披亚斯为首的"包系斯"派主张"技术,经济和功能",也就是要求建筑设计要以新技术
来经济地解决新功能.在理论和实践上最终地摧毁了被"新建筑"运动所动摇.而在学术界
仍是主导地位的学院派的统治.
在此期间声学研究也取得了很大成就,特别是在1925-1927年,努特生通过对不同厅
堂的测量和评价,提出最佳混响时间与厅堂容积之间的关系:语言清晰度与房间的物理参量
—响度,噪声级,混响时间和体型之间的关系;实际上只做了响度,混响时间对语言清晰
度影响的实验,以及形成回声的最小声程差.所以出现了当时认为以最佳音质条件为出发点
所设计和建造的现代音乐厅,如:
巴黎Salle Pleyel (1927年),3000座,混响时间为1. 45秒.为了增加音量和改进
视线,采用了扇形平面和两层大挑台.按照流行于建筑师中的声学概念-—声线分析方法,
即均匀分布第一次反射声,必然采用抛物线的顶棚,可以把演奏台上声9均匀地反射到观众
席,并且使第一次反射声与直达声的声程差不大于22米,不会产生回声:但是观众席的噪
声也经顶棚反射,集中到演奏台,造成干扰并且分析了体型和确定了尺寸—长(L为51
米,宽度21-31米,平均高度为18米:因为建筑师不理解混响时间与容积和材料的关系,
所以容积过大.而声学家则关心根据赛宾的棍响概念来确定大厅的馄响时间,而对声线的分
析与体型的关系不关心,所以不能提出设计大厅的声学根据,因此,当声学家们还在讨论如
何选择混响时间时,建筑师己经根据声线概念确定了大厅的尺寸,构成了空间,因为尺寸是
构成空间的要素,而建筑师的主要任务是空间的设计.两者各行其是,配合不好,产生不少
问题.另外,当时声学界认为听音区应尽量得寂静,演奏台周围应是强反射,使演奏的声音
尽量反射到观众席,实质上这是当时刚兴起的电影院音质设计的做法,虽然这种做法对于电
影院来说也是不全面的.因此该音乐厅的音质对于语言清晰度很好,对于音乐则不好,所以
很少在此演奏交响乐.美国克里夫兰的Severance Hall(1930年),1890座,混响时间1.4
秒.该厅的设计思想如同上述,所以音质效果相同.英国利物浦的New Philhinmonic Hall
(1939年),1955座,混响时间1.5秒.美国的Buffalo的Klimhans Hall (1!41年),2839
座,混响时间为1.32秒.上述各音乐厅代表了自1900-195.年间所建造的音几厅的模式,
音质都不理想.
这时期的音乐厅容量多,一般为2000-3000座,在美国甚至达到4000-^6000座,为
了增加容量和缩短视距以及避免多层包厢视线不良的缺点,大厅后部被大大地扩大成为扇形
平面,同时又增加了大挑台,而其高深比一般都不大于1/2.根据当时在建筑师中流行的声
学设计概念,顶棚的纵剖面被设计成弧形或抛物线形,以取得最小的声程差,所以顶棚的高
度被大大地降低,这样音乐厅的高度与宽度之比由1:1-3:4变成为1:2^+1:3,成为扁形空
间.由于对电影的声学特点尚未正确理解.大盘使用吸声材料,甚至到了滥用的地步,因
此厅内的混响时间都很短(大约在1.5秒以下),清晰度高,音调很不丰满.由子以巴黎Salle
Pleyel为代表的声学设计方法曾被多数教科书和有关建筑杂志所推荐和介绍,在不同程度
上为大多数现代音乐厅或剧场设计中所采用.其影响很深远,直到50年代之后,声学科学
的发展,才逐渐地减少,但还有影响,特别是以声线法来替代声学设计的观念还很牢固,尤
其在我国的建筑界中.
丹麦哥本哈根广播电台音乐厅(1946年),1093座,混响时间为1.5秒,其模式同上述,
但是因为采用薄壳结构,因为壳顶高,所以演奏台的声音不能均匀的反射,大多数是反射到
第一层挑台的坐席,并有聚焦现象,所以在战后(1954-1955年)改建,其措施是在演赛台
上部悬吊水平的有机玻琦的声反射系列共5排,26块大小不等,离台面高为7-8米,保证
了均匀地分布第一次反射声,井在50毫秒之内,同时也给予演赛台内一定的反射声.这是
在现代音乐厅中首先出现了在高空间中悬吊声反射板,对以后的音乐厅棋式的变化形响很
大.
6现代主义(二次大战后)
>0年代,欢洲经济有了发展,所以各国开始新建以及恢复战争中被毁的文化建筑如:
伦教早家节日音乐厅(1951年),3000座,混响时间为1.45秒,该音乐厅的声学设计考虑比
较周到,在体型,反射面和声学材料布置上都经多次讨论和实验.音乐厅的平面是矩形的,
空间属于介鞋盒式"的,吸收了古典音乐厅的经验,由于3000座席,所以在演奏台两侧和
后而布置了座席1400座).形成了环绕式的特点.本厅的体型虽属古典音乐厅的模式,但仍
然只4战前现代r义设计的影响.以均匀分布第一次反射声为目的,对侧向反射的重要性还
没有认识,所以使演奏台和池座前区处在一个扇形平面中,但侧墙斜角较大.在演奏台上悬
吊三片大的弧1(%斜向的肖反射板,增加第一次反射声.侧墙上部有四层包厢,原来是希望增
加扩散,却相反,不仅没有扩散效果,反而产生大量吸声值,特别对于低颇的吸收.所以厅
内太寂静.丰满度不够,但很清晰.所以效果仍然与战前现代音乐厅相同.由于对于交响乐
作品风格与混响时间关系的研究,后期所建造的晋乐厅的混响时间日渐增长,如柏林音乐学
跪音乐厅(1954年),1360座,混响时间为1.95秒.矩形平面,楼座则向外扩张变成为长
六角形.设计中仍受战前现代主义的影响,顶棚是弧形的,使演奏台的声音直接反射到楼座,
厅内声场分布不均匀,扩散不好,因此对交响乐效果不好,室内乐和独奏效果较好.由于声
学研究对室内声能衰减过程中进行了微观的分析,探讨了前次反射声对室内音质的影响,并
且又发现了侧向反射的重要作用,但是混响理论仍然是基本的根据,所以声场的扩散应是音
乐厅音质好坏的基本条件.德国斯图加德的音乐厅(1965年〕,2000座,混响时间为1.9
妙为了获街好的扩散声场,克里迈尔教授提出不对称的原则.大厅的平面很特殊,形似三
角钢琴,演奏台处在厅内非对称的位置上,它的左侧墙是大片混凝土的凸面,保证辐射声能,
使右侧听众具有强的一次反射声.为了使听众尽呈接近声源.所以大盘听众席布置在左侧,
以便使大量听众更接近第一提琴.厅内具有大量的扩散体,保证声能衰减的混响过程具有好
的扩散程度.因此厅内不仅有强的反射声能,又有良好的扩散声能,这是该时期中突出的例
子这是在正确的声学科学指导下,创造了完全新颖的模式.
7王见代主义(近期)
由于"学理论和实践的发展,建筑理论的反思和创新,音乐厅设计的视野更为重视科
学与艺术的结合,柏林爱乐音乐厅(1963年),2218座,混响时间为2秒,这是由"现代建
筑"大师夏隆fir,署名声学家克里迈尔教授合作设计,他们把各方的主张和成就融合在一起,
着重考虑了人的因素,探索音乐厅的空间环境与人的关联,成功的解决了科学与艺术,内容
与形式的矛盾,创造了世界上第一个围绕式的音乐斤,这是世界范围内成功的作品之一:在
音乐厅的建筑史和声学史上都具有重大的意义.它是一个从平面上看来是对称的.但是空间
上是不对称的,实现了克里迈尔的非对称原则.新西兰克赖斯特丘奇音乐厅(1972年), 2650
座,混响时间为2. 3秒.悉尼歌剧院的音乐厅(1973年),2690座,混响时间为2.0秒.
新西兰惠灵顿音乐厅(1976年),2500座,混响时间为2.45秒.美国丹佛音乐厅(1978
年.,2750座,混响时间为2. 0抄.旧金山大卫音乐厅(1980年),混响时间为2.2秒.
日本三得利音乐厅(1986年),2690座,混响时间为2..秒.这些音乐厅都是在柏林爱乐
音乐片之后调动和综合发挥各种技术和艺术的手段,创造出类型各异,视听俱佳的坐席包围
演奏ry的A-乐厅,这种音乐厅的平面无论是鞋盒式的,还是圆形的,椭圆形的,不规则形的
等等,虽然空间形式各异,但是以演奏台为主和正面坐席所围合的空间比例都符合古典音乐
厅的空间比例,也就是遵循着"黄金率".
纵观兰百余年西方音乐厅的发展,它从矩形平面的厅室,发展到19世纪末的"鞋盒式"
的规模宏大的公共音乐厅,其模式的变化,主要是受社会的发展人们对音乐的需求,促使
容量的增多所致.但仍遵循着"黄金率"的比例.自本世纪以来,科技的发展,促便人们思维
方式发生变化,遵从科技的规律,因此,音乐厅的摸式的变化主要是从视线,舒适等要求考
虑,取消了侧向浅挑台,形成了镜框式舞台口的剧场式模式,但这模式在视觉上无论是科学
性,还是艺术性都并不高明,很快就被淘汰.本世纪初,赛宾教授创立混响时间概念,使音
乐厅的设计和建造建立在科学的基础上,但是在二次大战以前,由于认iR不够全面,声学界
着眼于声学理论和技术的研究,而对如何构成音乐厅空间的具体措施并不注意.建筑界则片
面从均匀分布第一次反射声,对混响概念与音乐厅空间尺寸和材料的关系并不理解,两者各
自进行设计,使声学理论和建筑艺术设计脱节,即使在构成空间的要素~一音乐厅的尺寸上
都不能相互配合,提出合乎声学和建筑科学的根据.以致大V角的扇形平面,大挑台,扁形
空间成为这一时期的主要空间模式,混响时间短,音质干涩,不丰满,但很清晰.现代人的
生活方式和思维方式的多元化,引起作为文化形态的建筑风格的多元化,并且因建筑,材料
和技术的发展,更促使建筑向着多元化和多样化发展.为了适应人们对文化娱乐和审美情趣
的多元化和多样化的要求,音乐厅的空间环境也有很大的变化,音质设计也从本世纪初的混
响理论,逐步地在实践中探索到在混响过程中具有不同阶段的特性,而进入到对室内声能衰
减过程进行了微观的研究,理解到早期反射声的时序和方向的特性,以及整个衰减过程中各
种特性对主观感觉的影响.目前更向着综合方向发展,确认混响理论为基础,并向微观方向
开拓,考虑早期反射声组成的合理性和适度的侧向反射,井促使室内的声能随r间的增长,
在室内混响过程的早期阶段就能达到扩散声场的条件,使人们能感受到强的混响感.因此,
声学理论和技术的发展,适应着人的思维的多元化和多样化.促使音乐厅的模式,随着时代
的发展,容量增多,其类型也多姿多采,风格多样;但因声学规律限制其对尺寸有要求,所
以音乐厅的空间必然是应充分利用自然声源的音量,使听众包国潜演奏台,形成围绕式高空
间的模式,而其所围绕的主要空间即演奏区与它正面的听众席所组合的空间,应遵循"黄金
率"的比率.但是其空间特征应是多样的,多元的;混响时间已从古典音乐厅的1.8-2.0
秒,延长到2.0-2.2秒,并有再延长的趋势,而容量则不大于2500座左右.
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『贰』 高价求冷笑话，不要多，要精。。。。

头发枯黄的主要病因有：
1、 甲状腺功能低下；高度营养不良；重度缺铁性贫血和大病初愈等，导致机体内黑色素减少，使乌黑头发的基本物质缺乏，黑发逐渐变为黄褐色或淡黄色。
另外，经常烫发、用碱水或洗衣粉洗发，也会使头发受损发黄。下面是针对几种病因所致的黄发采取的饮食疗法。
(2)酸性体质黄发
与血液中酸性毒素增多，也与过度劳累及过食甜食、脂肪有关。
应多食海带、鱼、鲜奶、豆类、蘑菇等。
此外，多食用新鲜蔬菜、水果，如芹菜、油菜、菠菜、小白菜、柑橘等有利于中和体内酸性毒素，改善发黄状态。
(3)缺铜性黄发
在头发生成黑色素过程中缺乏一种重要的含有铜的“酪氨酸酶”。体内铜缺乏会影响这种酶的活性，使头发变黄。
含铜元素丰富的食物有动物肝脏、西红柿、土豆、芹菜、水果等。
(4)辐射性黄发
长期受射线辐射，如从事电脑、雷达以及X光等工作而出现头发发黄，应注意补充富含维生素A的食物，如猪肝、蛋黄、奶类、胡萝卜等;
多吃能抗辐射的食品，如紫菜、高蛋白食品以及多饮绿茶。
(5)功能性黄发
主要原因是精神创伤、劳累、季节性内分泌失调、药物和化学物品刺激等导致机体内黑色素原和黑色素细胞生成障碍。
此种黄发要多食海鱼、黑芝麻、苜蓿菜等。苜蓿中的有效成分能复制黑色素细胞，有再生黑色素的功能;
黑芝麻能生化黑色素原;海鱼中的烟酸可扩张毛细血管，增强微循环，使气血畅达，消除黑色素生成障碍，使头发祛黄健美。
(6)病原性黄发
因患有某些疾病，如缺铁性贫血和大病初愈时，都能使头发由黑变黄。此种情况应多吃黑豆、核桃仁、小茴香等。
黑豆中含有黑色素生成物，有促生黑色素的作用。小茴香中的茴香醚有助于将黑色素原转变为黑色素细胞，从而使头发变黑亮泽。

『叁』 求:朋克风电影

片名:朋克不死 英文名:Punk's Not Dead 导演:Susan Dynner 主演:Billy Idol Jan Ackerman Billie Joe Armstrong

著名的摇滚电影(12.18更新)

1.《昼夜摇滚》ROCK AROUND THE CLOCK 1956

它也许是世界上第一部真正的摇滚电影，
也是摇滚这个词第一次被用到电影中，
以今天的眼光来看，它 其实和一部记录片差不多，
因为片中的情节几乎可以忽略不记，台词也只是对音乐的铺垫，
他真正的意义在于汇集了摇滚乐最早一披乐手歌手的现场演出，
并用这些疯狂在现实世界里引出更多疯狂，
由于比尔·哈利，“彗星”等人的演出实在疯狂，而起引起的骚乱又太多，在英国众多城市遭到禁映。

2.《摇滚先生》Mr rock and roll 1957

在1950年代已经有一大批由摇滚乐的先辈们做插科打诨状的电影，
但除了昼夜摇滚，也只有这一部值得看，
别把注意力放在这个极傻的爱情故事上，
真正要看的是难得聚齐的50年代摇滚领路人们，
看看在摇滚乐变得万般妖娆之前，曾经多象一个从未涂过口红的村姑，
当然，还要看看那个摇滚先生艾伦·弗雷德，
这部电影之后不久，这位摇滚教父就开始为命运所折磨，
被反摇滚势力逼的永远脱离摇滚。

3.《脂粉猫王》Jaihouse Rock 1957

“猫王”艾尔维斯·普莱斯利最典型的摇滚电影之一，描叙一个不安份的小子在监狱里迷上摇滚，出狱后成为摇滚红星，后来又褪变成一个利欲熏心的大明星，失去了最亲密的朋友云云。在“猫王”无数连歌带演的烂片中，好歹这还算一部真正描述摇滚乐本身的电影，他的神采也还真的算得上叫人兴奋。

4.《苦难日之夜》A HARD DAY’S NIGHT 1964

在这部描叙“批头四”生活的记实加虚构的电影刚开始拍摄的时候，
那四个小伙子应该还只是对生活刚有点更大的憧憬，
当电影上映的时候，“批头士狂热”已经开始进入大众传媒并最终进入辞典，
在这部经过精心编导的影片中，那些刻意突出”批头四“亲和力的镜头，
凸显出导演理察，莱斯特在狂热中的冷静，他最清楚如何让人疯狂，
这应该是一般人能看到的最早的摇滚电影了，
它让不同与先辈们的摇滚乐的另一种魅力初显于世。

5.《别回头》Dont look back 1967

这部记录片是对BOB·DYLAN1965年英国巡演的忠实记录，
导演彭内贝克用影象清晰的说明那时的鲍波与“批头士”是多么的不同，
与同时期的《苦难日之夜》相比，《别回头》更直接，深刻，
对自己的拍摄对象也没有造星般的刻意吹捧，甚至还有毫不掩饰的刻意嘲讽，
但是，再冷静的镜头都无法掩盖年轻迪伦的灿烂光芒，
同现在的老迪伦相比，年轻的他无与伦比的傲慢，机智，激情洋溢，
而其中一段以跨掉派代表艾伦·金斯堡为背景的开场更是弥足珍贵。

6.《肉大叔》Uncle meat 1968

这是一部把故事片，家庭制作，与摇滚现场拼贴在一起的奇特电影，
由摇滚怪杰弗兰克·扎帕和他的“发明之母”乐队制作完成，
主要讲了“肉大叔”想创作一首热门歌曲，但在一些奇奇怪怪的事情发生后，
“肉大叔”变成了一个怪兽，
这部风格古怪的电影与扎帕古怪的音乐风格相得益彰在剧中扮演”肉大叔“的，
是乐队的键盘手唐·普雷斯顿，
其中有大量的乐队现场，值得一看，
可惜的是由于电影本身太过前卫，即使在最勇于探索各种精神与身体边缘的60年代，
也得不到认可，尘封20年后才得出世。

7.《逍遥骑士》Easy Rider 1969

这部影片既是一部公路摩托片，又是一部摇滚片，片中两位主人公骑着铮亮的高把摩托车，穿着国旗装，几乎是漫无目的的横穿美国，在经过一系列的奇遇之后，两位主人公莫名其妙的死去。在看这部片子时，总令我想起凯鲁亚克的那部著名小说《在路上》,总感觉“嚎叫”派诗人、作家的创作精神很与摇滚乐相通。影片中的音乐虽然不是太出名——最出名的大概是The Byrds的音乐,但这些清新淡雅的民谣风格的音乐给人留下深刻印象。

8.《伍德斯托克》WOODSTOCK 1970

这部几乎可以称之为乐史上最著名的摇滚纪录片：纪录嬉皮年代音乐神话的Woodstock就不用多说了，如果你听摇滚而不知道这个，那你......

9.《给我庇护》Gimme Shelter 1970

一部纪录发生於1969年Woodstock音乐节四个月之后，名气远在前者之下，但就意义与成就来说不遑多让的Rolling Stones乐队传奇演唱会枪杀事件的电影。这支乐队可以说是六十年代摇滚的终结者，当然它的表面现象是1969年12月，当时，在美国有大量乐迷的Rolling Stones在美国加州奥德蒙举行一场免费演唱会，当天有40万观众来到现场，但悲剧发生了，被聘来维持秩序的飞车党在演唱会上演了暴力的场面，一名观众被追杀而死。这部又名“让我躲藏”的记录片记下了“滚石”乐队最值得珍藏的瞬间，也记下了“地狱天使”的凶猛身影，本来是来维持次序的他们最终却与部分观众大打出手，让60年代爱与和平的聚会的巨大神话在瞬间倒塌，正因为这些无比真实的镜头，这部电影在摇滚文献中的重要性非同一般。

10.《Jimi Hendrix--Rainbow Bridge》1970

这次一张杰米·亨德理克斯Jimi Hendrix的录制，是七十年代一个音乐纪录，这是拍於70年室夏威夷的一次演出，故事是拍摄女演员Pat Hartley前往Hawaii的Maui，受到当地一大班年轻人欢迎，而且成立了自己的社群，而片中就加入了Hendrix的银录音空片段及长达十七分钟Herdrix在Maui之Haleakaia Volcano的演出，玩出Fox Lady、 Hey Baby、 Voodoo Chile (Slight Return) 、Puple Haze...等曲。这些影像更从未公开出现过。

11.《Jimi Hendrix--Experience Electric Ladyland》1970

Jimi Hendrix的英年早逝，叫乐评人认定这是摇摆乐坛在十九世纪的最重要损失之一，他迷幻的结他手法，将个人灵气与音乐结合得叫听者动容，能够将结他弦变成如人类的舌头，会讲话，会令人开心，落泪。今之这张Electric Ladyland VCD，就制成一张Jimi Hendrix 自传式的影像纪录，收入Hendrix演出的片段，在音乐制作时的认真态度，完全是冲破时空活现眼前。而且也访问了不少乐坛中人，例如Steve Windwood， Eddie Kramer（他是Electric Ladyland大碟的录音师），亦有Hendrix的经理人Chas Chandler，亦即是Animals的bass手，从他们的说话中，皆对这位天才报以极高赞赏，更可看出他们是言出於心。VCD中，当然也少不了收入Hendrix的live performance，在台上他就如著了魔的投入，这里面就有All Along The Watchtower，Gypsy Eyes，Crosstown Traffic，Voodoo Chill...... 看见他完全投入的演出，指法如飞在结他弦线上勾划出灵魂，当今之世，已没有一位结他手有此能耐；这张Electris Ladyland肯定是Hendrix迷的珍藏品，甚至是他一个音乐图鉴；就算你是初接触这名字，也可从这VCD中对他了解更多。这就是一个音乐必修课，课题是：Jimi Hendrix 。

12.《菲尔莫》FILLMORE 1972

这部电影记录了西菲尔莫俱乐部最后的日子，其中有“感恩而死”“杰弗逊飞船”等诸多迷幻乐队的精彩现场，那些激情四溢的瞬间将和菲尔莫的伟大贡献一起留在我们心中。
13.《美国风情画》American graffiti 1973

《星球大战》系列的导演乔治·卢卡斯能拍出这样的清新可人的小品，令人叹服。影片主演：哈里逊·福特。故事以1962年夏天美国一个小镇为背景，描写几个高中生毕业一夜的生活，反映了越战前夕过着优裕富足生活的美国青年人的思想、感情，其中引用了大量了美国50年代的摇滚乐作为背景音乐，如：Bill Haley（比尔·哈利）的《rock around the clock 》（昼夜摇滚）等等，应该说是恰如其分。这部影片是乔治·卢卡斯的最有深度作品——我就不懂为什么美国人对《星战》这样的适合于儿童观看的影片这么津津乐道——《美国风情画》比《星战》强多了。
14.《永远的齐泊林飞艇》THE SONG REMAINS THE SAME 1976

一部关于“齐泊林飞艇LED ZEPPLIN”乐队的电影。

15.《巴迪·霍利的故事》The Buddy Holly Story 1978

这部影片讲述了巴迪·霍利这位摇滚殉道者的一生（巴迪·霍利死于1959年一次摇滚乐演出的失事飞机上，同行的还有另外一批当时的摇滚红星，所以后来的美国歌手Don McClean 在他的歌曲《American Pie 》中唱到：Buddy Holly 死亡之日就是摇滚乐死亡之日），70年代末期正是第一代摇滚歌手和乐迷成为父母辈，而他们的子女又开始叛逆家庭的时候，导演在片中安排了许多老歌，带出浓浓的怀旧气息。

16.《美国风情画（续集）》More American Graffiti 1979
导演：比尔诺顿 Bill L. Norton
演员：朗霍华 Ron Howard
玛坎兹菲立普斯 Mackenzie Phillips
哈里森福特 Harrison Ford
剧情介绍：
70年代之初，美国掀起了一阵50年代的怀旧狂热，1973年“美国风情画”一片，就是一个相当成功的例子。此片是它的续集，除了李察德瑞佛斯之外，原班人马再度演出，故事的背景正值60年代中期，越战进行之时，所有的主角都比以前来的成熟、世故，他们已学习到如何面对生命中的种种课题。剧情的发展全在除夕夜那一天，但是，是四个不同的主角，在1964~1967年间，四个不同的除夕夜所发生的故事。剧中探讨了60年代的代表课题：战争、嗑药、校园抗议活动、警察暴行、“只要做爱不要战争”等，以及当时许多杰出的音乐。片中将同时间发生在不同场景的镜头并列在一起，可说是电影技术的创举之一。还有，千万别错过了哈里逊福特在片中的客串！

17.《HAIR》1979

摇滚乐总是在影象无法驾御他的时候毫不留情的成为主角，把这个音乐剧的电影版当作MTV吧。

18.《歌声泪痕》THE ROSE 1979
这是一部关于摇滚乐史上最伟大的女性——Janis Joplin 的传记片，制片人找了一位外形比较相似——同时也是一名歌手的贝蒂．米德勒来出演这位传奇女星的短暂一生，令人唏嘘不已，贝蒂．米德勒的表演应该说是比较到位的。影片中除了引用了大量Janis Joplin的歌曲以外，贝蒂．米德勒也一展歌喉，在影片中大放异彩。影片的原声专集十分畅销，其中出现了一曲也许是摇滚乐史上最为动听的歌曲《The rose》（玫瑰）。

19.《摇滚高中》ROCK AND ROLL HIGH SCHOOL 1979

文斯·洛巴迪高中的学生瑞芙·兰德尔是“雷蒙斯”乐队的头号歌迷，在几个朋友的支持下，她长期坚持与法西斯教育的化身——也就是他们的校长托加小姐进行不屈不挠的抗争，“雷蒙斯”的演出接近尾声，他们唱起了影片的主题歌，学校被学生们摧毁了，同学们被摇滚乐拯救了。影片中那些专门为该片拍摄的“雷蒙斯”现场演出镜头非常精彩，他们还站在一辆旧卡迪拉克上高唱那首著名的“I Just Want To Have Something To Do”（我只想找点事情做），演唱会上人头涌动、群情激昂，满眼皆是激情燃烧的狂野青春。《摇滚高中》是对50年代青少年摇滚电影背后所隐藏的反叛精神的一次致敬与回归，混合了50年代低成本电影和60年代沙滩喜剧的元素，粗砺、直接、疯狂，充满自我解放的爆炸性。另外，这也是一部非常有趣的电影，镜头展示了瑞芙·兰德尔的一个浪漫、奇幻的想象——“雷蒙斯”乐队在她的闺房里为她演奏小夜曲，这大概是这位女同学一直以来的最大心愿吧。

20.《摇滚大骗子》The Great Rock 'n' Roll Swindle 1980

以朋克乐队“性手枪”为主角的怪异作品，是朋克音乐，朋克观念，朋克艺术的大集合。

21.《The Decline of Western Civilization》1981

有关Black Flag的一部电影。

22.《迷墙》THE WALL 1982

一部最出色的也是最著名的摇滚电影。1979年英国的传奇摇滚乐队Pink Floyd推出了摇滚乐史上最经典的作品之一——概念性双唱片专集《The wall》,由乐队的灵魂人物Roger Waters根据自身经历创作的半自传性作品，这张唱片以“墙”的概念为基础，抒发了对战争的恐惧（Roger Waters的父亲死于二战），对人性麻木的控诉和社会阴暗面的描写，唱片推出后，不仅在摇滚乐界，而且引起整个西方文化界的巨大反响。两年后，英国著名导演阿仑．派克决意把它搬上银幕，他请来了英国乐队Boomtown rats的主唱Bob Geldof扮演影片主角Pink，运用大量的电影表现手法——蒙太奇和动画手段极好的传达了唱片的主题（当然也有导演自己的理解），不仅如此，影片的音响表现手法引起极大震动，全片没有一句对白，全部采用Pink Floyd在双唱片专集《The wall》中的歌曲（也有唱片中未出现的一些歌曲在影片中出现）作为推动影片情节发展的媒介，就像一部长篇music video。可以说这部影片的出现直接引发music video的热潮出现。另外影片的制作方法也引起后来电影人的纷纷仿效。不过如果你对西方战后青年的概况和唱片本身的内容不够了解的话，你大概不易看懂这部片子。值得一提的是阿仑．派克在十五年后，又拍摄了一部根据音乐剧改编的影片《Evita》(贝龙夫人，由麦当娜主演。)，全片仍然没有一句对白。

23.《摇滚梦》Starstruck 1982

这是一部不需要知道故事，不需要知道导演，也能够随之摇摆狂舞的摇滚电影！俗毙毙的剧情：女孩怀着摘星梦，女孩的母亲失业家庭陷入危机，女孩参加歌唱比赛，女孩遇见男孩，男孩失去女孩，男孩赢回女孩芳心。导演展现驾驭类型电影的神奇能力，全片洋溢的青春摇滚气氛宛如歌舞剧版的《舞国英雄》，喜爱摇滚乐的你不可错过

24.《郊区》Suburbia 1983

洛杉矶偏僻郊区住着成群的朋克青年，这部电影描绘了他们特立独行的生活，也捕捉到了朋克摇滚所代表的最本原的生活态度：挣脱一个抹杀个性的社会的压制，成为一个真正独立的个体。“红辣椒”乐队的贝斯手“跳蚤”（Flea）也在其中扮演一个角色，他的演技不算太拙劣。影片的结尾颇具爆炸性，当时在加州极具人气的乐队D.I.和T.S.O.L.的现场演出将电影推向了高潮，这也是T.S.O.L.走向瓦解之前最为精彩的演出之一。

25.《战场上的快乐圣诞》1983

(英国/日本）
导演：大岛渚
主演：北野武 Tom Conti 大卫鲍伊David Bowie 阪本龙一
二战末期，日本在印尼爪哇岛的俘虏营里，英军少校塞里阿滋被送到这里。他的风度举止使收容所所长与野井暗暗为他所吸引。另一方面俘虏中唯一会讲日语的英国人劳伦斯中校则和军曹原在交往中产生了一定的友谊，尽管农民出身的原举止粗鲁、对人凶蛮。塞里阿滋和劳伦斯由于违反规定，庆祝圣诞，被关进单人牢房。当天晚上，醉醺醺的原声称因为是圣诞节而宽恕二人的罪过。第二天早上，与野井召集全体俘虏时，俘虏队长顶撞了他，就在与野井挥起战刀要杀死他时，塞里阿滋走出队列来到与野井面前吻了他的双颊，与野井当场崩溃晕倒。不久与野井调离，塞里阿滋被判以活埋。夜晚，与野井走到他被活埋的广场上，深情地凝视着他，然后割下他的一缕金发离去。1946年，劳伦斯来到战犯拘留所看即将压赴刑场的原，劳伦斯告诉原，与野井在被处决前，托他把塞里阿滋的金发带回自己的家乡。在分手时，原笑着对劳伦斯说：“圣诞快乐，劳伦斯先生！”
这部视角颇为独特的反战电影没有着重刻画日军中完全丧失人性的杀人狂，而是展现了一批深受军国主义毒害、犯有侵略罪行、但又仍然残留有一线人性光亮的人。导演把他们身上体现出来的作为日本国民性的东西与俘虏身上的人性力量加以对比，清楚地揭示出日本民族作为一个集体被推上战争这条犯罪道路时，每个个体的人性遭到了怎样的扭曲。影片中与野井对塞里阿滋的同性恋情感，被大岛渚作为日本民族对外来文化复杂感情的象征。与野井对心中潜滋暗长的感情的压抑正是***对西方文化的态度：既排斥抗拒又难以抵挡地为其所吸引。影片表现出相当强烈的自省意识，大岛渚的批判锋芒直指战争的犯罪者国家，试图通过把传统的民族性放在全人类的水平上加以检视。值得一提的是，这部电影的演出阵容十分有趣。三位主演都不是以表演著称，而其中又犹以北野武的表现最为出色。

26.《这里是骨髓穿刺》THIS IS SPINAL TAP 1984

仿记录片的形式，看起来令人叹服，还真象那么回事。

27.《席德与南希》SID AND NANCY 1986

虽然“性手枪”不是最出色的朋克乐队，但他们是最出名的朋克乐队，《希德与南茜》是关于这支传奇乐队的吉他手希德·维舍斯与其美国女友南茜·斯庞根那反复无常的情爱关系和罗密欧朱丽叶式的悲剧结局，导演对这两个社会食物链最底端的边缘人进行了客观的刻画：他们的粗暴和痛苦，他们的敏感和自伤，他们走向自我毁灭却似乎不可避免……每一格影像都展现了电影的愤怒、激动和真诚。经过那次危机四伏的美国巡演，“性手枪”终告解体，希德仍在海洛因毒瘾的控制之下，他试图开始个人发展，但人们在一个早上发现南茜被捅死倒在地板上，希德因为谋杀罪被捕，他们的悲剧正好印证了朋克乐队“玩闹大会”（Circle Jerks）的一首歌——“Love Kills”（爱会杀人）。科特尼·拉芙和科特·柯本的关系，经常被用来与南茜和希德的关系作比，而科特尼·拉芙恰好在这部电影里面扮演了一个小角色。加里·欧德曼和克洛·韦伯以令人折服的演技将希德与南茜关系中的那份不成熟、相互伤害及令人反感的一面清晰地凸现在观众眼前，而他们那决意摆脱任何束缚的爱情又是那么令人感伤，乃至啜泣。2000年的《肮脏与愤怒》（The Filth And The Fury）是一部关于“性手枪”乐队的杰出纪录片，真实、客观、满怀热情，而又颇具观赏性。

28.《白日之光》Light Of Day 1987

《白日之光》的名字来自布鲁斯·斯普林斯汀的一句歌词：“I got a little lost along the way, but I'm just around the corner to the light of day”（我走在路边有一点迷失，徘徊在白日之光照不到的角落）。这部电影由保罗·舒拉德自编自导，主演是真正的摇滚女星琼·杰特和娃娃脸的电影明星麦克尔·福克斯，他们在片中扮演生活在工业区的一对年轻姐弟，姐姐对他们的乐队“酒吧炸弹”的前途充满野心，但周遭的环境及家庭的束缚都令他们困惑不已，渴望从音乐中得到解脱。感觉上，麦克尔·福克斯更适合扮演一些喜剧角色，而琼·杰特作为一个摇滚乐手在电影中展现了相当不俗的演技，要胜过麦当娜许多。 底特律是个汽车城，也是个摇滚城，因为“吻”（KISS）乐队的存在。

29.《神秘列车》MYSTERY TRAIN 1989

吉姆·贾木许电影作品，这部电影比猫王自己的一大堆电影更能反映其精神实质。

30.《悲伤的大火球》 Great ball of fire 1989

这又是一部人物传记片，记述的是摇滚乐史上音乐成就可与猫王比肩的一代巨星Jerry Lee Lewis的生活，Jerry是一位悲剧性的人物，影片主要围绕着他的爱情生活来描写，影片中流露出来的悲观气氛很能打动人，其中穿插了Jerry的一系列名曲，当然也少不了那首《Great ball of fire》。
31.《大门》THE DOORS 1991

这是我个人十分喜爱的一部影片——当然和导演有关，我是奥列佛·斯通的忠实影迷，同时也是The Doors 乐队及其主唱歌手Jim Morrison（吉姆·莫里森）的忠实乐迷。奥列佛·斯通和吉姆·莫里森是UCLA（加州大学洛杉矶分校）电影学院的校友，还是吉姆·莫里森在世期间，斯通曾给吉姆读过自己写的剧本，在80年代初期，斯通就萌发了把吉姆和大门乐队的事迹搬上银幕的想法，这个愿望直到斯通完成了《生逢七月四日》后才得以实现，在他宣布要拍摄这部影片之后，很多男影星都争相要饰演男主角吉姆——因为这个角色实在是太有挑战性了，最后外形酷似吉姆·莫里森的方·基默幸运入选。斯通在拍摄这部影片中，采取的不同于一般人物传记片的手法，截取了吉姆一生的几个片段，并且并不完全拘泥于史实，甚至是一些超现实主义的手法（如那个反复出现的死于车祸的老印地安人）来表现吉姆和大
门乐队的传奇经历，取得很好效果。斯通不愧于电影大师的称号，他对影片的气氛和节奏把握得恰倒好处。方·基默的演出也十分出色，为了演好这个极富争议的角色，他不但认真研究表演方法，而且刻苦钻研了吉姆和大门乐队的诗作和歌曲，认真体会角色的性格，甚至模仿吉姆的一举一动，应该说，他把这个人物刻画得淋漓尽致，不但是形似，而且是神似，（即使没看过影片，只看过剧照的人相信也会同意我的说法）方·基默为此付出的代价是在影片拍摄结束的很长一段时间内，不能从角色中解脱出来。这部影片和斯通的其他作品一样，放映后引起极大的争议，但其艺术价值不容置疑。这部影片也向人们证明——方·基默和梅格·瑞恩（在影片中饰演吉姆的妻子帕米拉）不是只会扮演诸如《壮志凌云》中那样傻傻的角色
32.《Highway 61》 1991

33.《单身一族》 Singles 1992

这部影片在影史上的地位可能不如它在摇滚音乐史上的地位高，因为电影本身讲述的关于单身贵族们的有趣生活影片可能并不太吸引人。但是影片中所描写的旧金山青年生活和引用的大量西雅图当时还不甚出名的地下乐队歌曲，影片的原声碟和Nirvana的专集《Nevermind》一起开创了20世纪最后一次的摇滚乐浪潮——Grunge,叙写了20世纪的最后一次摇滚神话，同样也带动了一大批地下乐队的走红。当然影片本身也比较吸引人，轻喜剧的风格使影片可看性很强。

34.《1991：朋克突破之年》THE YEARS THAT PUNK BROKE 1993

35.《披头岁月》BACKBEAT 1994

有关批头四早年的第五成员斯图的传记片，如果知道批头四后日的风光，不知道他还会不会去画画。“披头四”的崛起是当代流行乐界的传奇，本片企图捕捉他们成名前的一段青春岁月。藉以反映六十年代初期的时代气分，剧情描述约翰·蓝侬一心想组个别唱团扬名天下，力邀好友史都华前往德国汉堡跟他合组摇滚队，其后，他又找了志同道合的保罗·麦卡尼与乔治·哈里森一起在汉堡的小酒以卖唱。不久，史都华认识了热爱艺术的德国女孩艾史翠，重拾画笔向绘画发展，并表明不再唱歌，蓝侬有点妒忌，力劝史都华离开艾史翠。导演伊恩·索夫特雷在影片的前半段拍生生气勃勃，但剧力难以为继，饰演蓝侬的伊恩·哈特也抢去了男主角史蒂芬·杜夫应有的风采。

36.《电波头》Airheads 1994

电波头是关于三个玩车库摇滚的小混混，他们的乐队叫做“孤独的漫游者”，布兰登·弗拉雪扮演乐队的词曲作者、主唱兼吉他手查兹，亚当·桑德勒扮演可爱的贝斯手皮普，斯帝夫·巴塞米则是在玩具店打工的大龄摇滚青年雷克斯，他的角色是鼓手，还有很多出名的面孔在这部电影里扮演一些小角色，大卫·阿奎特就扮演了一个货车司机，“摩托头”乐队的莱米·基尔密斯特也在片中露了一小脸，“白僵尸”乐队则在其中充当一支在俱乐部演出的乐队（“摩托头”和“白僵尸”的歌曲都被收录在电影原声带当中）。郁郁不得志的“漫游者”们拿着一支仿真玩具枪，企图接管当地的电台，胁迫DJ播他们的歌，就在这时他们却阴差阳错地毁掉了自己的小样带，好在这是一部他们注定走运的喜剧片，在一位好心DJ帮助下，“漫游者”终于不再漫游，朝着成功的方向大步迈进。就我的经验来说，布兰登·弗拉雪和亚当·桑德勒的喜剧天份还算不错，但这部电影整体来说比较平庸。

37.《猜火车》 trainspotting 1996

这部电影改编自艾文.威尔士1993年同名畅销小说；成本仅二百五十万美金，拍摄时间49天。从一出炉，它就成为了舆论的焦点。不仅因为在这部低成本影片中对海洛因吸食极为细致的描写，更由于片中所充斥的堕落情绪——伦敦的影评人说这部影片使人想要“以身试毒”。当然影片的导演并不承认，他认为影片后部对毒瘾来临时的痛苦描写是很客观的。事实上，整部影片的态度与其说是客观不如说是冷漠。影片以第一人称作为叙事角度，完全在主人公的叙述中展开情节,隐藏影片的立场;而在本来已十分松散的结构中随意终止叙述加入评论，分析甚至跨时空的追忆；这种纯主观的手法不仅使人耳目一新，也十分贴切影片的基调，从而以后的同类型影片屡屡采用,几乎成为固定模式。影片以主人公瑞顿的一段自序作为开场白:"...大电视.健身器.富特轿车.朝九晚五...选择...太多选择.你选择什么?我选择不选择.”广角镜头跟拍配之以城市街景和Iggy Pop的音乐。影片的展开部分则完全是以瑞顿为首的一小撮颓废青年的生活实景：他们终日无所事事，东游西逛，打架酗酒泡妞吸毒；聚在铁道边打赌猜测下一列火车的经过时间以打发时日；还共同养着一个不知谁是父亲的婴儿。他们满足于这种糜烂的生活状态，即不想也认为不能改变现状，逃避一切规范和责任，并且全部是无政府主义者和海洛因吸食者。在一次畅快淋漓的集体吸毒后小婴儿意外死亡，这强烈刺激了可能是父亲的每一个人；促使瑞顿在无数次失败后下定决心戒毒。就在他戒毒成功开始普通人生活时，暴力爱好者巴比带着瑞顿的旧日伙伴找上了他，要他一起参与一次巨额贩毒。最终瑞顿偷走了贩毒所得的钱消失在人群之中。片中瑞顿过量吸食毒品后精神恍惚，昏倒在街头的段落以浪漫主义的高速摄影处理，背景配以Loud Reed宁静的《One Perfect Day》，极写吸毒后的快感；随之而来的?