赏析肖像画

⑴ 名画蒙娜丽莎的赏析800字

《蒙娜丽莎》是一幅著名的肖像画。它花费了绘画巨匠达芬奇四年之久的时间，而这幅看似普通却代表了这个时代绘画最高成就的作品，何以具有这样大的魅力呢？
先来回顾一下中世纪的艺术，漫长的中世纪，艺术成为基督教的工具，无论雕塑还是绘画，其题材内容都取自圣经教义，人物形象也都是虚构的概念化形象，既无现实生活的依托，又无科学知识的根据。因此，人物形象僵滞、表情呆板，形体如槁木般没有生气。然而，达芬奇的肖像画《蒙娜丽莎》富有人文精神，在题材上取自现实生活中的真实人物，具有人的真情实感，因而这幅肖像画成为文艺复兴时期的代表作。
《蒙娜丽莎》的成功，在于作者准确的捕捉到了模特儿最微妙的表情和最动人的瞬间。达芬奇这种现实主义的创作的方法，使蒙娜丽莎富有魅力的青春被永恒而鲜活的留在画面上。我们从蒙娜丽莎的脸上可以看到，透过那微抿的嘴唇，微挑的眼角和微凝的双目，悄然的流露出一种恬静、淡雅而又神秘的微笑，自然、纯真、朴素的将一丝不易察觉的、充满着人性情感的内心活动透溢出来。画中人物生姿优雅、笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致的发挥了画家那奇特的烟雾状“空气透视”般的笔法。达芬奇力图使人物的内心世界和美丽的外表达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辨证关系，达到了神韵之境，我们还可以从蒙娜丽莎那双随意的交搭着的双手上，透过柔润而丰满的肌肤，精谨而准确的结构，自然而生动的状态，感到一种富有青春生命力的血液正在指掌间流淌。这是鲜活而富有生命力的活体。在构图上，达芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的肖像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更端庄。
几百年来，蒙娜丽莎令无数观赏者为之倾倒，人们一直对她神秘的微笑莫衷一是。不同的观者在不同时间去看，感受似乎都不同。有时觉得那微笑温文尔雅、舒畅温柔、有时又显得尊贵严肃、安详自若，有时像是略含哀伤悲叹，有时又有几分讽嘲与揶揄。神秘莫测的心灵活动。在这幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别，但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱，而人的笑容主要体现在眼角和嘴角上，达芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的接线，因此才会产生令人捉摸不定的“神秘的微笑”。有权威人士认为“笑容若隐若现，是因为观看者改变了眼睛的位置”，“蒙娜丽莎那迷人的口唇”是一个男子裸露的脊背。几百年来，“微笑”的新解层出不穷。诸如微笑不露皓齿是因原型虽典雅美丽却口齿不齐；原型因爱女夭折，忧郁寡欢，难掩凄楚之态；原型刚得过一场中风，她半个脸的肌肉是松弛的，脸歪着所以才显得微笑……
蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题，自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和推测，留下越来越多的迷局。人们过分的喜爱她，无止境的探讨她那难以察觉的、转瞬即逝而且亘古不变的微笑，那洞察一切而又包含一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。人们愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。这是一个神话，它与达芬奇无关，完全是后人制造的，神话像滚雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。

⑵ 蒙娜丽莎的微笑 赏析

[编辑本段]微笑的含义

喻指迷人的微笑或神秘莫测的微笑。

《蒙娜丽莎》是意大利文艺复兴时代著名画家达·芬奇的肖像画作品。

画中的主人公是当时的新贵乔孔多的年轻的妻子蒙娜·丽莎，这幅画画了4年。那时，蒙娜丽莎的幼子刚刚夭折，她一直处于哀痛之中，闷闷不乐。为了让女主人高兴起来，达芬奇在作画时请来音乐家和喜剧演员，想尽办法让蒙娜丽莎高兴起来。

这幅画完成后，端庄美丽的蒙娜丽莎脸上那神秘的微笑使无数人为之倾倒。人们对那微笑进行了种种猜测：是和蔼可亲的温婉的微笑？是多愁善感的感伤的微笑？是内在的快乐的标志？是处女的童贞的表现？那微笑仿佛是这一切，又仿佛不是这一切。它的诱人之处，全在于那微笑的神秘莫测和令人倾倒。

后即以“蒙娜丽莎的微笑”喻指迷人的微笑或神秘莫测的微笑。

[编辑本段]揭秘微笑

法国·巴黎卢浮宫博物馆的镇馆之宝：达·芬奇《蒙娜丽莎的微笑》

意大利著名画家达芬奇创作于1504年左右。画中的蒙娜丽萨成为美学的，哲学的象征性形象，早已成为达达主义和超现实主义画家模仿的对象。

500年来，人们一直对《蒙娜丽莎》神秘的微笑莫衷一是。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。

哈佛大学神经科专家利文斯通博士说，蒙娜丽莎的微笑时隐时现，是与人体视觉系统有关，而不是因为画中人表情神秘莫测。利文斯通博士是视觉神经活动方面的权威，主要研究眼睛与大脑对不同对比和光暗的反应。利文斯通说：“笑容忽隐忽现，是由于观看者改变了眼睛位置。”她表示，人类的眼睛内有两个不同部分接收影像。中央部分(即视网膜上的浅窝)负责分辨颜色、细致印记。环绕浅窝的外围部分则留意黑白、动作和阴影。据利文斯通说，当人们看着一张脸时，眼睛多数集中注视对方的双眼。假如人们的中央视觉放在蒙娜丽莎的双眼，较不准确的外围视觉便会落在她的嘴巴上。由于外围视觉并不注重细微之处，无形中突出了颧骨部位的阴影。如此一来，笑容的弧度便显得更加大了。不过，当眼睛直视蒙娜丽莎的嘴巴，中央视觉便不会看到阴影。利文斯通说：“如果看着她的嘴巴，使得我们永远无法捕捉她的笑容。”蒙娜丽莎的笑容若隐若现，源于人们的目光不断转移。利文斯通指出，若要临摹《蒙娜丽莎》，描绘口部时便要望着别处。

1993年，加拿大美术史家苏珊·吉鲁公布了一项令人震惊的研究成果。她说蒙娜丽莎那倾倒无数观赏者的口唇，是一个男子裸露的脊背。这一论断既新鲜又荒诞，然而论证是有力的。集画家、雕刻家、建筑师、工程师及科学家等多种才艺于一身的达·芬奇，可谓是个“怪杰”。他喜欢穿粉红色外套，在胡须上毫无顾忌地涂上五颜六色，还常称自己解剖过不下30具死尸。他还是个左撇子，习惯从右到左倒着书写，别人要借助镜子才能读出他写的东西。因此借助镜子亦不失为欣赏者读画的一种方法。旋转90度后从镜中看蒙娜丽莎抿着的笑唇，恰好是一个背部线条分明的结实男性脊背以及左臂和肘部的一角；再说，表现人体美和呼唤人性的觉醒，既是大师的人生哲学，又是他的艺术观。

确实，在不同角度不同光线下欣赏这幅画，人们都会得到不同的感受。那微笑时而温文尔雅，时而安详严肃，时而略带哀伤，时而又有几分讽嘲与揶揄，神秘莫测的微笑显露出人物神秘莫测的心灵活动。

几百年来，“微笑”的新解层出不穷。诸如微笑不露皓齿是因原型虽典雅美丽却口齿不齐；原型因爱女夭折，忧郁寡欢，难掩凄楚之态；更有甚者，把蒙娜丽莎从贵妇宝座上推落下来，把原型贬为妓女，故而微笑中带着讥嘲和揶揄。

美国马里兰州的约瑟夫·鲍考夫斯基博士认为：“蒙娜丽莎压根就没笑。她的面部表情很典型地说明她想掩饰自己没长门牙。”

法国里昂的脑外科专家让·雅克·孔代特博士认为蒙娜丽莎刚得过一场中风，请看，她半个脸的肌肉是松弛的，脸歪着所以才显得微笑。

英国医生肯尼思·基友博士相信蒙娜丽莎怀孕了。他的根据是：她的脸上流露出满意的表情，皮肤鲜嫩，双手交叉着放在腹部。性学专家推测：蒙娜丽莎刚刚经历了性高潮，所以才表现出令世人倾倒的微笑。

还有一种近乎无稽之谈的说法：她的表情就像吃了苯氨基亚胺似的，显得很陶醉，这是吃完巧克力后人体内产生的一种欢愉激素。这种说法很少有人相信，因为当时还没有巧克力呢。

画中，左边的地平线比右边的低，蒙娜丽莎的左侧看上去比右侧大。历史上左边代表女性，体现达·芬奇崇拜女性。电脑分析显示，蒙娜丽莎和达芬奇自画像的脸部有多处相似，可能蒙娜丽莎就是达芬奇本人，埃及传说中主管男性生殖器的神叫阿蒙（Amon），主管女性生殖器的神叫伊西斯（Isis）——古代文字中曾将其读做L'ISA，因此MonaLisa就是暗示AMONL'ISA，即蒙娜丽莎非男非女，是两性的融合体。

[编辑本段]《蒙娜丽莎》真伪之谜

按照以往的说法，达·芬奇的《蒙娜丽莎》收藏于巴黎的卢浮宫。但在收藏界却有一种说法称，挂在卢浮宫的不是《蒙娜丽莎》，真正的《蒙娜丽莎》是在伦敦一所公寓的墙上。

这间寓所和这幅作品的保管者普利策博士说，《蒙娜丽莎》完成后，作品就留在了丽莎·德·佐贡多家。后来，又有一个贵族请达·芬奇为他的情妇画一幅肖像，这个被称为“拉乔康达”（意为“微笑的人儿”）的女子，和蒙娜丽莎长得很像。于是，一时懒惰的达·芬奇把《蒙娜丽莎》的脸部换成拉乔康达。画作完成后，那个贵族抛弃了拉乔康达，因而没有买下这幅画。后来达·芬奇应弗朗西斯一世的邀请去法国，带去了这幅画。普利策说，使卢浮宫增添光辉的是拉乔康达的肖像画。《蒙娜丽莎》后来流落到英格兰，本世纪初被一家博物馆馆长、艺术鉴赏家威廉·布莱克买下，后来又为瑞士一财团收购，普利策便是其中的成员。

本世纪初，曾经有许多人大规模地复制、伪造艺术名作，有理由怀疑伦敦的那幅是赝品。但是，普利策博士对他的这幅画的真实性深信不疑。他用显微摄影技术证实，伦敦这幅画上的指纹同达·芬奇其他作品上的指纹相同；根据记载，蒙娜丽莎比拉乔康多年轻19岁，被画时披着一条表示悼念的面纱，在两幅画中，只有伦敦那幅显示一个更显年轻的女人披着漂亮的面纱；另一个证据是，拉斐尔当年在达·芬奇作这幅画时曾经作过速写，速写中的蒙娜丽莎背后有两根圆柱，这两根圆柱出现在伦敦的肖像画里，而卢浮宫那幅的背景是山崖、小径、石桥、树丛与潺潺的流水。

几百年以来，不少收藏家各自声称他们藏有真正的《蒙娜丽莎》,数量竟达60幅之多。更有趣的是，美国缅因州伯特兰美术馆在1984年收到一幅《不微笑的蒙娜丽莎》，经测定，此画确实是当年达·芬奇的手笔，画中的人物除了不微笑以外，其余都酷似蒙娜丽莎本人。专家由此推测，这幅《不微笑的蒙娜丽莎》可能是作者同时画的一幅底稿。

还有一种说法认为目前卢浮宫内收藏的《蒙娜丽莎》是一幅赝品，其依据在于1911年发生的那起盗窃案。在那起盗窃案中，《蒙娜丽莎》失窃。两年后，它出现在意大利，但是画面上蒙娜丽莎身后两旁的廊柱已经被切掉了。几年后，《蒙娜丽莎》被归还卢浮宫。但许多专家都认为，这次失而复得只是一场烟幕，真正的《蒙娜丽莎》已经被一位富有的收藏家重金收购，挂在卢浮宫内的只是一件赝品而已。

[编辑本段]《蒙娜丽莎》背景之谜

加利福尼亚大学教授卡罗·佩德雷蒂认为，蒙娜丽莎身后的背景是意大利中部阿雷佐市布里阿诺桥附近的景色。佩德雷蒂的证据是，达·芬奇出生在距阿雷佐约100公里的芬奇镇，并曾经在阿雷佐生活过，这一地区的原始景观与《蒙娜丽莎》的背景几乎完全一样，因此，达·芬奇很有可能采用这一地区的田园景色作为《蒙娜丽莎》的背景。当佩德雷蒂的这一观点在达·芬奇绘画国际研讨会上宣布后，许多美术史专家都对他的研究结果表示肯定。

[编辑本段]《蒙娜丽莎》死因之谜

按照记载，丽莎·迪·格拉尔弟尼在46岁时抑郁而死，但一位日本心脏病专家说他发现蒙娜丽莎的左眼上有一块黄斑，这是胆固醇含量过高的征兆。这个日本心脏病专家说蒙娜丽莎应该死于心肌梗塞。

说不尽的蒙娜丽莎

蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将更多的疑惑留给后人。

人们过分地喜爱她。无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。人们惊叹：列奥纳多，惟有列奥纳多，上帝一样的智慧，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。

这是一个神话，它与达．芬奇无关，完全是后人制造的。神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将更多的问题带走。问题是五花八门，许多与蒙娜丽莎并无关系。有人会问：蒙娜丽莎究竟是画中人的名字，还是微笑的别称？画中人究竟是银行家乔．贡多的妻子，还是伊萨贝尔王妃？此画确有真人模特，还是凭想象画成？画中人物没有眉毛，这是当年佛罗伦萨的审美时尚，还是像某人所说，其人正在怀孕，是妊娠反应？画中人是否刚经历流产的伤痛，所穿衣裳是丧服？蒙娜丽莎那令人迷惑的表情真的是微笑吗？难道不是面部麻痹症造成？蒙娜丽莎到底是男是女？其原型是否就是达．芬奇本人？问题越问越离奇，距离画本身越来越遥远，不仅无助于解读该画，反而将人不断引向迷途。

其实，有些问题已经构成了对《蒙娜丽莎》的亵渎，只是提问者尚未觉察。蒙娜丽莎是男是女，这还用得着问吗？任何一个对性别有感知的人都不该对此产生疑问，可是有人偏要提出如此荒唐的问题。有人说蒙娜丽莎给人的感觉是中性的，至少她（他）不会给人产生性的诱惑。试问，难道惟有性感才能构成女性美吗？如此，一幅肖像画与一幅色情照片又有多大区别？无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征；或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。蒙娜丽莎表情是僵化的吗？瞬间的表情被定格就说成僵化，那真是荒唐透顶。微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，因而断定此画不是以真人为模特，而是完全凭想象画成，这种论断也纯属多余。人们惊叹达．芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达．芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？为什么今人就摹仿不出？其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动；画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达．芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达．芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。我们可以理解蒙娜丽莎为达．芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。有人通过电脑技术将达．芬奇的自画像与蒙娜丽莎作以对照，发现两者的基本结构惊人地相似，于是断定该画是以他本人为模特。其实这是吹毛求疵。相似不等于吻合，当然完全吻合是不可能的，正如画中人与真实人物也非完全相同；然而不同的人总有相似之处，并且相似性是主要的，差异却是微小的；更何况每一个画家描绘他人时总会不自觉地把自己的形象带进画面，因为画家对自己最熟悉；这点想来达．芬奇也不会例外。说到这些，其余的问题也就无须解释了。如果我们多读一些画，多接触一些画家，那么不着边际的问题就不会提出来了。

驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会产生疑问：一幅不大的肖像画为何竟有如此巨大的魅力或是震慑力，难道不是有一种神秘的无形力量在驱动么？

有些问题是难以回答的，我们先从《蒙娜丽莎》自身来认识。举世公认的真迹现藏卢浮宫，那是流传有序的。当年达．芬奇迁居法国，身边就带着这幅画；达．芬奇死后，《蒙娜丽莎》即为法国王室所拥有；卢浮宫建成后，此画就被永久收藏。然而，人们不解，现今看到的《蒙娜丽莎》与当初描述的不尽相同。莫非已经过他人做手脚了？的确，我们今天看到的画与当年达．芬奇初画的已经有了不小的差距。据说，当年拿破仑得到《蒙娜丽莎》，为了将它装进现成的镜框，裁去了画面左右各三厘米；原先的画上两侧有石柱，现在看不到了，只能看见一点柱础。按说拿破仑给此画造成了极大破坏，可我们今天却不会这么认为。在今人看来，《蒙娜丽莎》的构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；相反，两侧增加了立柱反倒觉得构图沉闷，视野欠开阔，人物形象也失去了单纯。拿破仑戎马一生，未曾对艺术有过特殊的关注，却在美术史上留下了显著的一笔，真是不可思议。看来神圣也不见得是不可动摇的。

我们现在看到的《蒙娜丽莎》是棕褐色调，略带些青绿色相，色彩简洁而沉静，朴素而凝重。我们以为画向来如此，其实不然。据达．芬奇同时代人对此画的描述，当时的画是色彩鲜艳，调子明快的，什么时候变成了现在的样子呢？当年法王得到了《蒙娜丽莎》，为了更好地保护它，在表面涂了过多的光油；历经数百年光阴，光油变成了暗褐色，像我们目前看到的色彩；画表面已经开裂，形成了蛛网般的细密纹理。保存状况不佳，那是令人惋惜的；然而，我们宁愿承认当今的《蒙娜丽莎》。单纯浑厚的色调与人物沉静内敛的精神气质相得益彰；深暗的衣饰、迷蒙的背景将人物脸庞及双手衬托得响亮动人；而均匀的裂纹则给人物增添了神秘气息，让我们欣赏她时带上更多的崇敬与神往。有人想通过现代科技手段除去表面油垢，恢复原先明丽的色彩；只是担心技术不过关，怕损伤画面。其实，倘若真的修复了，我们反倒会觉得陌生以至难以接受。

临摹名画是一种喜爱的表现，《蒙娜丽莎》就拥有世界上最多的临本。且不说今人的临摹，仅在达．芬奇时代就有好几个版本的《蒙娜丽莎》，那多半是达．芬奇的学生或助手临的。有几幅技巧拙劣，放在原作跟前不堪入目，不过其中也不乏佳作。在美国新泽西州也有一幅《蒙娜丽莎》，和卢浮宫的原作极为相似，只是构图略大一些，露出左右两侧的石柱（原作构图本来如此）。画上的蒙娜丽莎秀丽、清纯，更具人间气息。专门研究《蒙娜丽莎》的学者雷特认为这幅也是达．芬奇所作，而且是最初作品，该作表现出了人物的青春魅力；而收藏于卢浮宫那幅大约作于1513年。达．芬奇到了晚年技艺愈加炉火纯青，但多年过去，蒙娜丽莎已不再年轻，而多了些许成熟与深沉。这种说法颇耐人寻味，但毕竟只是推测，难以得到证实。多数人对此持否定意见，反对者认为：达．芬奇一生中创作的绘画屈指可数，他从未重复过自己的作品。

⑶ 《蒙娜丽莎的微笑》作品鉴赏

作品鉴赏：

《蒙娜丽莎》的姿势，已经升华为一种神圣的符号，它不仅仅是艺术规律问题，不仅仅是对文艺复兴人文思想粗糙大潮的冲击，而是心灵回归者、觉醒者心中的一个崇高细致理想的显现。

《蒙娜丽莎》具有另一种难以说明的象征意义，如佛的坐势、站势、讲道姿势，菩萨的动势，基督的几种象征性姿势：

如两手摊开，一手持十字，一手指天，这有某种非世俗的意味，不是做作，而是不得不是如此，是最不自然最自然，最不简单最简单，最轻松最沉甸甸的样式，你无法赞美它，又无法挑剔它，它就是这样，原始的样子，人们只能沉醉其中，而不能有条理地褒贬它。

一切欺骗与神秘都集中在《蒙娜丽莎》身上，而令人们产生一种畏惧。《蒙娜丽莎》是一个精力充沛的形象，在该幅作品面前，不能说她是女人肖像，她穿越一切无所不见、又视而不见的空洞目光，想躲避是办不到的，而想迎接那目光同样也是枉然。

奇异的前额，广阔得失去了一个平凡人的味道，弥漫在脸上的那种神奇表情，似笑、非笑使人们无法相信这是一张现实的脸，而它的存在，又无法使人们的怀疑进行得彻底。《蒙娜丽莎》的表情，像东方佛教中佛陀的表情一样，是非凡人所能做出来的。

“蒙娜丽莎”不是因为了什么而微笑，她只是静静地在那，脸上是自然地出现的一种永恒的、无所谓表情的表情。《蒙娜丽莎》的美学意义，主要在于人物形象焕发出的人性的光辉；而在这之前，即使是人的形象，也带有或多或少的宗教气息。

(3)赏析肖像画扩展阅读：

创作背景：

1、人文背景

文艺复兴是盛行于14世纪到17世纪的一场欧洲思想文化运动。在中世纪晚期发源于佛罗伦萨，后扩展至欧洲各国。欧洲源自对基督教统治下中世纪的批判，产生了世俗价值观念。

人的观念在达·芬奇等艺术家的观念里居于核心的地位，《蒙娜丽莎》也展现了神性和人性的光辉，肯定了人从自然状态脱离而存在的意义。

2、草稿背景

在《蒙娜丽莎》创作之前，就有一幅，《艾尔沃斯·蒙娜丽莎》油画：《艾尔沃斯·蒙娜丽莎》出自达·芬奇，其创作时间远远早于《蒙娜丽莎》油画作品。

《艾尔沃斯·蒙娜丽莎》绘画，人物的面色清新红润，不沾岁月痕迹，有着与蒙娜丽莎非常相似的长相、服饰、手势和神秘笑容，只是更为年轻。有专家还曾利用碳定年法对《艾尔沃斯·蒙娜丽莎》进行了测定，结果显示，该幅画创作于15世纪。

3、创作过程

《蒙娜丽莎》油画：该作品经过了四个创作阶段：第一层，是一幅对未知对象的肖像草稿，从轮廓可以看出，有较大的头、鼻、双手和较小的嘴唇；在第二层里，达·芬奇用一幅《佩戴珍珠发饰的肖像画》覆盖了最初的草稿。

第三层，是1503年创作的《丽莎·格拉迪尼肖像》，帕斯卡认为这才是蒙娜丽莎的原貌，也是他所认为的“另一幅女人的画像”。画中的蒙娜丽莎眼睛看向左边，面带微笑，这是当时标准的肖像画模样。第四层，是《蒙娜丽莎》油画作品：脸微微向右转了过来，就连目光也是向右的。

《蒙娜丽莎》创作时间，大约从1503年至1506年。该幅画创作于达·芬奇人生的转折点，即从服务了17年的米兰斯佛扎宫廷，回到了佛罗伦斯。很有可能在那段时间里，达·芬奇赢得了政治家马基维利的支持，他主要从事军事工程，利用业余时间创作绘画作品。达·芬奇画完《蒙娜丽莎》之后，便投入到了亚诺河改造计划。

⑷ 蒙娜丽莎的赏析

500多年来，人们一直对《蒙娜丽莎》神秘的微笑莫衷一是。不同观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。

500多年，这个传奇始终生气勃勃

闭上眼睛，张开嘴唇，说出“蒙娜丽莎”这四个字，就会有那个微笑出现在你眼前。“魅力”这个词已经不足以形容这幅我们星球上最著名的肖像画，也许“魔力”才是一个更恰当的词汇。每年来到卢浮宫参观的五、六百万人中的大部分都会直奔德农馆悬挂《蒙娜丽莎》的展室，宫中的其他瑰宝相形之下都黯然无光。上个世纪后半期，《蒙娜丽莎》曾有过两次短短的出国之旅，结果在一、两周内她就征服了当时世界上最强大的两个国家，六十万美国人和二百万苏联人拜倒在她的目光之下。

《蒙娜丽莎》的魔力所及还不止于此，在任何一个文明国家的角落里，我们都能看到她的踪影，不管是作为装饰，被用于商业宣传，还是衍生成了其他的文化产品。也许我们没看到过达·芬奇的蒙娜丽莎，但我们每个人的心中都早生成了一幅自己的《蒙娜丽莎》，同样的微笑、静谧，真伪莫辨。

追问这个传奇的源头，当然是500多年前达·芬奇神乎其技的画功。在当时一众圣母和女神像中，一个衣着自然的世俗女子，束手微笑，神情泰然，所引起的震撼不亚于数百年后后现代艺术家给她添上的两撇小胡子。

然而，艺术上的成就能解释她在行内人和艺术爱好者中的声誉，却很难解释她如何获得街知巷闻的知名度。更何况，达·芬奇本人另有许多杰作，遑论那些艺术水准堪与其比肩的同世或后辈大师，为什么非典肆虐期间的中国人只给蒙娜丽莎加上了口罩，而无人念及大卫或者维纳斯呢？

维特根斯坦说，文化就是文化之外的总和。对我们的《蒙娜丽莎》来说也是如此，围绕画作的种种千古之谜以及她问世以来的曲折经历也许才是吸引大部分人注意的真正要素。500年，《蒙娜丽莎》美丽的脸庞上已经被遮上了一层隐约的面纱，有的时候，我们看到的是面纱之后的真容，更多的时候，我们看到的只是文化之上的附属物。这些附属物，就像500多年来积累在画像上的尘污一样，遮盖了达·芬奇创作画作时的真实颜色，但就像专家们对卢浮宫提出的建议一样，不要试图抹去这些尘污，不仅仅是因为可能损害画作，更是因为她现在的状貌才是我们心中的那个经典的形象，艺术不是考古，《蒙娜丽莎》不是文物，她始终生气勃勃。

但在这个高速运转的、文化快餐统治的世界里，再神圣的经典也摆脱不了被解构的命运。对此我们很难做出评判，也许我们会为设计家天才的创意而赞赏有加，或因玩世者亵渎神圣而愤慨不已；然而，这都是确实的存在，我们除了承认别无他途。几百年来，《蒙娜丽莎》受到太多的赞誉，超出了它自身的承载力；当人们对它的推崇达到了饱和，不再有更新的创意时，歪曲、嘲弄和揶揄就应运而生。而正本清源，又有专门研究和品评《蒙娜丽莎》的文章或专著不断问世，包括各种推断与猜测；就这样，一幅画成了一门学科，许多人愿意耗费毕生的精力。未来的科学研究也许会为我们解答许多关于此画的疑问，然而神秘一旦消失，一切便如同猜破的哑谜般索然乏味。毕竟,《蒙娜丽莎》是一幅画，一幅美丽的肖像，我们带着虔诚，也带着无需解答的疑问去欣赏她，这就够了

⑸ 罗中立的油画《父亲》的鉴赏

罗中立以浓厚的油彩，精微而细腻的笔触，塑造了一幅感情真挚、纯朴憨厚的父亲画面，虽没有华丽色彩，也没有宏大场景，但依然刻画得严谨朴实、细腻丰泽，被业内评价为“以纪念碑式的宏伟构图，饱含深情地刻画出中国农民的典型形象，深深地打动了无数中国人的心。”

画面具有一种悲剧性的震撼力，采用照相写实主义手法画中国的一位普通的，贫困的，苦涩的老百姓，人物的形象是人们再熟悉不过的老年农民形象，老人枯黑，干瘦的脸上布满了象沟壑，又如车辙似的皱纹，深陷的眼睛露出了凄楚、迷茫又带着恳切的目光，象是在缅怀过去，又象是在期待未来，让我们感受到那牛羊般的善良目光的“通视”。

干裂、焦灼的嘴唇似乎已被封干许久，仅剩一颗门牙的嘴里不知饱尝过多少的酸、甜、苦、辣，犹如耙犁一般的破伤的大手捧着一个破了又被重新锔起的粗瓷碗在喝水，细小毛孔里渗出的汗珠不知已滑落多少，稀疏的胡须，还有那象征着悲剧色彩的苦命痣，都无不打上了他艰苦劳动，生活悲惨的的烙印。

(5)赏析肖像画扩展阅读

《父亲》是当代画家罗中立于1980年创作完成的大幅画布油画。现收藏于中国美术馆。

该画用浓厚的油彩，精微而细腻的笔触，塑造了一幅感情真挚、纯朴憨厚的普通农民形象。即使没有斑斓夺目的华丽色彩，也没有激越荡漾的宏大场景，但作者依然刻画得严谨朴实，细而不腻，丰满润泽。背景运用土地原色呈现出的金黄，来加强画面的空间感，体现了人物形象外在质朴美和内在的高尚美。

《父亲》属于大尺幅超写实肖像油画，这是一幅“很大很大”的普通农民肖像画。

画中人物头裹白布、手端旧碗且在阳光照射下满脸黝黑，其脸上有，似岁月的刀刻出、又似五线谱谱写的皱纹，眉弓上有，如早晨叶片上的露水，大粒而欲滴的汗珠，还有凸出的眉弓与凹陷的眼睛，高挺的鼻梁、宽厚的鼻翼以及鼻梁右侧粗黑大颗的苦命痣，仅剩一颗门牙、半张的嘴、干裂的唇和手中端着的这碗浑水，形成呼应，似乎这老人刚经过一阵辛苦的劳作，口干舌燥，正想端着水喝，突然来了一个熟悉或陌生的人，老人眼光注视着这人的情景。

《父亲》是1980年罗中立根据在大巴山生活的体验，以及与农民结下的深情，创作的作品。

20世纪70—80年代，社会处于变革时代，人们的价值观念发生了极大的变化，主体意识开始觉醒，艺术的表现意识深化，这就形成了一个良好的客观的环境。反映在艺术创作上，艺术家开始对周围身边的琐事及普通人民产生浓厚的兴趣，从而改变了以革命领袖为主要描绘对象的创作方法，《父亲》就是在这样一个良好的氛围下应运而生的。

《父亲》中的艺术形象来源于一位名叫邓开选的普通农民。20世纪70年代农民进城主要是淘粪，把粪作肥料。为了这个肥料，生产队、公社之间经常发生争斗，就是为了这个肥料，画家附近的厕所里都有农民住在里面，那时候城里面每一个厕所都有农民住在里面。

农民过年的时候也守在那个地方，所以农民的那个神态和姿势，引起作者很大的震动，之后，他就画了守粪的农民，又画了一个当巴山老赤卫队员的农民，最后才有了现在这幅作品，开始画的名字是“粒粒皆辛苦”，后改成《我的父亲》，最后去掉了“我的”二字更名为《父亲》。

《父亲》被视为伤痕画派的一个重要代表，是一幅典型的乡土写实主义作品，表现了画家罗中立的乡土主义情怀，是罗中立本人对本土文化和艺术的坚守与挑战，也是为落后的农村及农民代言，让人们关注农民，关注那朴质的美与勤劳的品格。

作者深谙农民的困苦，懂得农民的欢乐，更理解农民的需求。《父亲》能够激起人们对于普通农民由衷的热爱、赞美和强烈的责任感，激起人们发自内心的感情波澜，而不只是一声悲天悯人的长叹。艺术融铸入人们的思想感情之中，深刻地表现出中国农民的力量和希望。

命运给予他为土地的兴衰而抗争的责任，命运同时也给予他为家庭的成败而打拼的勤奋，命运给予父亲善良的心，纯朴的情，与世无争的信念，在阳光下晒得那么自然黝黑的皮肤。即使这一生没有受教育的机会，也从未有一声嗟怨，只要看到那秋日阳光下大片大片的金黄，微笑就一年一度地涌上心田。当人们凝视一个阳光下的慈父时，它的意义已不仅限于农民的力量所在，人们应该清楚地认识到它已经涉及了人类灵魂的象征。

⑹ 世界名画《无名女郎》赏析及资料

《无名女郎》是俄国画家伊万·尼古拉耶维奇·克拉姆斯柯依于1883年创作。这也是我最喜欢的身着服饰的女郎肖像画。

画中女郎整体给人感觉是高冷。她高高在上，坐在马车上，画家是在仰视她的角度作画，背景是在雪天，采用的冷色调，女郎身后的建筑由近及远是不断变低的，都是为了营造女郎高冷的形象。

马车无论是材质还是做工都是非常精致的，包括女郎身后的靠背，都是华贵的材质。马车左右两边淡黄色象牙装饰和女子帽子上淡黄色羽毛，组成三角构图，这种三角构图法使静态图更加稳固，画显得更加庄重。

女郎服饰采用的是以黑色为主的冷色调，镶有昂贵的动物皮毛，且皮毛每一根都画得很精细，脖子及手腕上缠的丝带，另使用了同为冷色调的深蓝色，帽子上银白色的珍珠，手腕上的金镯子反光效果画的非常好，十分复合其低调奢华的气质。

女郎的面庞圆润，这符合俄罗斯女子丰满的特点，而且面庞丰满圆润也更能透出威严的气质。她的眼睛睫毛的描绘，眼神的冷漠庄重，都表达出了她高冷的性格。

此画取名《无名女郎》给人无尽的想象，根据当时的背景时代，很多人对无名女郎进行了身份的猜测，但众说纷纭，并无定论。

(6)赏析肖像画扩展阅读：

《无名女郎》是俄国画家伊万·尼古拉耶维奇·克拉姆斯柯依于1883年创作的一幅现实主义肖像画，是画布油画，现收藏于莫斯科的特列恰科夫美术博物馆。

在这幅画中，克拉姆斯柯依以现实主义思想，古典的造型手法，借助人物的姿态、动作、装束和神情，展示出一个刚毅、果断、满怀思绪、散发着青春活力的俄国知识女性形象。 整个画面运用强烈的明暗对比与和谐高雅的色调，柔和的色调和氛围，形象的真实和个性化，使该作品带有了现实主义的成分。