油画人物赏析

『壹』 如何赏析画家奥古斯特·雷诺阿《阳光中的裸女》油画

像许多喜欢古典油画的人一样，喜欢拉斐尔，喜欢安格尔，喜欢布格罗，喜欢这些油画大师造型精准真切直观唯美写实的作品，而对于印象派诸如马奈德加高更们的人物油画总是调动不起内心的兴趣，但是，雷诺阿却是一个例外。

如果说拉斐尔、安格尔、布格罗、格维德是古典主义唯美写实油画的代表画家，雷诺阿无疑就是印象主义唯美油画的代表画家了。雷诺阿说，生活中丑陋的东西已经不少了，艺术为什么不能更多的表现美呢！作为印象派中以擅长人物画著称的画家，雷诺阿画笔下的人物都很美，不管是群体人物画，还是个体人物画，不管是丰腴的女性形象，还是苗条的女性形象，经过雷诺阿的艺术创作，都呈现出俏丽俊美生动活泼色彩斑斓动人心弦的画面。如《船上的午宴》、《红磨坊的舞会》、《浴女》系列等。

《阳光中的裸女》是雷诺阿的一幅代表画作。画中描绘了一位美丽少女在户外阳光中光线色彩在女孩身上发生的变化，产生一种梦幻化的画面效果，展示了雷诺阿印象人物油画的特点特色及其高超的绘画技法和表现手法。

『贰』 世界名画《无名女郎》赏析及资料

《无名女郎》是俄国画家伊万·尼古拉耶维奇·克拉姆斯柯依于1883年创作。这也是我最喜欢的身着服饰的女郎肖像画。

画中女郎整体给人感觉是高冷。她高高在上，坐在马车上，画家是在仰视她的角度作画，背景是在雪天，采用的冷色调，女郎身后的建筑由近及远是不断变低的，都是为了营造女郎高冷的形象。

马车无论是材质还是做工都是非常精致的，包括女郎身后的靠背，都是华贵的材质。马车左右两边淡黄色象牙装饰和女子帽子上淡黄色羽毛，组成三角构图，这种三角构图法使静态图更加稳固，画显得更加庄重。

女郎服饰采用的是以黑色为主的冷色调，镶有昂贵的动物皮毛，且皮毛每一根都画得很精细，脖子及手腕上缠的丝带，另使用了同为冷色调的深蓝色，帽子上银白色的珍珠，手腕上的金镯子反光效果画的非常好，十分复合其低调奢华的气质。

女郎的面庞圆润，这符合俄罗斯女子丰满的特点，而且面庞丰满圆润也更能透出威严的气质。她的眼睛睫毛的描绘，眼神的冷漠庄重，都表达出了她高冷的性格。

此画取名《无名女郎》给人无尽的想象，根据当时的背景时代，很多人对无名女郎进行了身份的猜测，但众说纷纭，并无定论。

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《无名女郎》是俄国画家伊万·尼古拉耶维奇·克拉姆斯柯依于1883年创作的一幅现实主义肖像画，是画布油画，现收藏于莫斯科的特列恰科夫美术博物馆。

在这幅画中，克拉姆斯柯依以现实主义思想，古典的造型手法，借助人物的姿态、动作、装束和神情，展示出一个刚毅、果断、满怀思绪、散发着青春活力的俄国知识女性形象。 整个画面运用强烈的明暗对比与和谐高雅的色调，柔和的色调和氛围，形象的真实和个性化，使该作品带有了现实主义的成分。

『叁』 母亲 油画 1981 孙慈溪 赏析

孙慈溪1981年创作了油画《母亲》。

面对油画的主人公——衣衫破碎，手擎镣铐，正在奶孩子的顶天立地的母亲形象，这位纪念碑式的英雄，这位高大圣洁的革命母亲以她的坚毅、庄严以及眉宇间流露的深沉母爱将使人们的灵魂受到极大的震撼。
这是一幅歌颂革命志士的伟大母爱与崇高人情美的悲剧作品，无疑也是作者本人的一件划时期的作品。

它取材于赵云霄烈士就义前留给自己在狱中生下的婴儿的一封遗书的真人真事。作品描绘的是烈士就义前噙着热泪在黑暗的牢房中以自己干瘪的乳房为骨肉之婴喂奶的瞬时。

左右两幅（联）则是烈士写给婴儿启明的遗书手迹——它分明是对遗书原物的超级写实主义的平面化放大写生，并以两半剖开方式被置于“中堂”的两边。它仿佛是静处于某一革命博物馆的展壁上，遗书中的每一字迹清晰可辨，其纪实的可信度，令人有一种直观革命历史文物的逼真感。

烈母告别不知世事的遗孤的人物画与作为她的遗书手迹的静物画，人物形象的意蕴与文字符号的语义，就如此交相辉映地一并呈现于观众眼前，似乎把人重新带回到国民党反动派灭绝人性的黑暗统治的历史中去。

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孙慈溪《母亲》 油画 创作背景：

1981年，孙慈溪应中央新闻电影制片厂之邀，为大型文献纪录片《先驱者之歌》画了两幅表现赵云霄烈士在狱中给婴儿写遗书的银幕素描，油画《母亲》就是在这两幅银幕素描的基础上创作而成的。

这是一幅歌颂革命志士的伟大母爱与崇高人情美的悲剧作品，无疑也是作者本人的一件划时期的作品。经过画家的精心构思，最终恰恰是因为具体采用了二元空间的三联画的表现形式，而使作品的主题内涵获得了最大程度的完美的体现。它的创作成功，在反映不同的时代、社会与历史背景条件下的大写的“人”与亲情的绘画创作方面堪与罗中立的《父亲》并驾齐驱。

网络-孙慈溪

『肆』 罗中立的油画《父亲》的鉴赏

罗中立以浓厚的油彩，精微而细腻的笔触，塑造了一幅感情真挚、纯朴憨厚的父亲画面，虽没有华丽色彩，也没有宏大场景，但依然刻画得严谨朴实、细腻丰泽，被业内评价为“以纪念碑式的宏伟构图，饱含深情地刻画出中国农民的典型形象，深深地打动了无数中国人的心。”

画面具有一种悲剧性的震撼力，采用照相写实主义手法画中国的一位普通的，贫困的，苦涩的老百姓，人物的形象是人们再熟悉不过的老年农民形象，老人枯黑，干瘦的脸上布满了象沟壑，又如车辙似的皱纹，深陷的眼睛露出了凄楚、迷茫又带着恳切的目光，象是在缅怀过去，又象是在期待未来，让我们感受到那牛羊般的善良目光的“通视”。

干裂、焦灼的嘴唇似乎已被封干许久，仅剩一颗门牙的嘴里不知饱尝过多少的酸、甜、苦、辣，犹如耙犁一般的破伤的大手捧着一个破了又被重新锔起的粗瓷碗在喝水，细小毛孔里渗出的汗珠不知已滑落多少，稀疏的胡须，还有那象征着悲剧色彩的苦命痣，都无不打上了他艰苦劳动，生活悲惨的的烙印。

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《父亲》是当代画家罗中立于1980年创作完成的大幅画布油画。现收藏于中国美术馆。

该画用浓厚的油彩，精微而细腻的笔触，塑造了一幅感情真挚、纯朴憨厚的普通农民形象。即使没有斑斓夺目的华丽色彩，也没有激越荡漾的宏大场景，但作者依然刻画得严谨朴实，细而不腻，丰满润泽。背景运用土地原色呈现出的金黄，来加强画面的空间感，体现了人物形象外在质朴美和内在的高尚美。

《父亲》属于大尺幅超写实肖像油画，这是一幅“很大很大”的普通农民肖像画。

画中人物头裹白布、手端旧碗且在阳光照射下满脸黝黑，其脸上有，似岁月的刀刻出、又似五线谱谱写的皱纹，眉弓上有，如早晨叶片上的露水，大粒而欲滴的汗珠，还有凸出的眉弓与凹陷的眼睛，高挺的鼻梁、宽厚的鼻翼以及鼻梁右侧粗黑大颗的苦命痣，仅剩一颗门牙、半张的嘴、干裂的唇和手中端着的这碗浑水，形成呼应，似乎这老人刚经过一阵辛苦的劳作，口干舌燥，正想端着水喝，突然来了一个熟悉或陌生的人，老人眼光注视着这人的情景。

《父亲》是1980年罗中立根据在大巴山生活的体验，以及与农民结下的深情，创作的作品。

20世纪70—80年代，社会处于变革时代，人们的价值观念发生了极大的变化，主体意识开始觉醒，艺术的表现意识深化，这就形成了一个良好的客观的环境。反映在艺术创作上，艺术家开始对周围身边的琐事及普通人民产生浓厚的兴趣，从而改变了以革命领袖为主要描绘对象的创作方法，《父亲》就是在这样一个良好的氛围下应运而生的。

《父亲》中的艺术形象来源于一位名叫邓开选的普通农民。20世纪70年代农民进城主要是淘粪，把粪作肥料。为了这个肥料，生产队、公社之间经常发生争斗，就是为了这个肥料，画家附近的厕所里都有农民住在里面，那时候城里面每一个厕所都有农民住在里面。

农民过年的时候也守在那个地方，所以农民的那个神态和姿势，引起作者很大的震动，之后，他就画了守粪的农民，又画了一个当巴山老赤卫队员的农民，最后才有了现在这幅作品，开始画的名字是“粒粒皆辛苦”，后改成《我的父亲》，最后去掉了“我的”二字更名为《父亲》。

《父亲》被视为伤痕画派的一个重要代表，是一幅典型的乡土写实主义作品，表现了画家罗中立的乡土主义情怀，是罗中立本人对本土文化和艺术的坚守与挑战，也是为落后的农村及农民代言，让人们关注农民，关注那朴质的美与勤劳的品格。

作者深谙农民的困苦，懂得农民的欢乐，更理解农民的需求。《父亲》能够激起人们对于普通农民由衷的热爱、赞美和强烈的责任感，激起人们发自内心的感情波澜，而不只是一声悲天悯人的长叹。艺术融铸入人们的思想感情之中，深刻地表现出中国农民的力量和希望。

命运给予他为土地的兴衰而抗争的责任，命运同时也给予他为家庭的成败而打拼的勤奋，命运给予父亲善良的心，纯朴的情，与世无争的信念，在阳光下晒得那么自然黝黑的皮肤。即使这一生没有受教育的机会，也从未有一声嗟怨，只要看到那秋日阳光下大片大片的金黄，微笑就一年一度地涌上心田。当人们凝视一个阳光下的慈父时，它的意义已不仅限于农民的力量所在，人们应该清楚地认识到它已经涉及了人类灵魂的象征。

『伍』 如何鉴赏法国油画《筛谷的妇女》

《筛谷的妇女》鉴赏：

三个人物中只有一个能看到脸部表情，而且她并不象在集中劳动，而是在梦幻之中，正在筛麦子的那个女孩从解剖学角度来看并不象在用力，而更是在象在摆舞蹈造型。那个处在背景阴影下的男孩的作用只是让整个画面结构达成平衡。

虽然画的是个劳动场面，但整个画面是处在静态的。整幅画中找不到任何表达人物心情，生活的信息。画家眼里看到的不是劳动，而是姿态，艺术不是为了体现生活，而是来让平凡的日常场景通过精神的力量获得升华。这个精神的力量来源于艺术家的思维和心灵。

艺术高于生活，艺术不复制生活。艺术不是生活的奴隶，写实不是物体单纯的影象。艺术也不用服务生活，更不是服务社会。

艺术的存在表明了我们的精神高于肉体，即使是在已经没有神话和幻想的十九世纪，艺术家们的精神使得他们能把普通生活创造成新的神话，这个劳动场景通过Courbet的锻造又给我们的幻想打开了门窗。

日常的生活动作经过这样的凝固的得到了古典气息，似乎成了荷马史诗中的劳动场景，由此产生了时间的差距，脱离了Courbet的时代，虽然人物的衣饰是他同时代的。正是能把和同时代的事物得到距离，才能使其得到精神的升华。这，也是欧洲十九世纪现实主义的目的。

(5)油画人物赏析扩展阅读：

油画创作背景

19世纪40年代的法国，出现了一批重视如实地反映客观现实的画家，后来被称为“现实主义”画派。他们主张艺术应以实际生活为基础，以自然为范本，画家应该走出画室去表现普通人的生活。他们歌颂劳动，赞美自然，将劳动者作为艺术创作的对象；

他们不屑于那些古书堆里的老题材，不用那些神奇的幻想，不愿被关在画室里。他们将朴素之美作为创作的最高目标，掀起了美术史上继新古典主义和浪漫主义之后的现实主义思潮。

居斯塔夫·库尔贝（GustaveCourbet）是法国现实主义艺术思潮中的代表性人物。1855年，在世界博览会期间，在官方的艺术沙龙之外，他举行了一次富有挑战意味的以“现实主义”为题的个人画展。在这个画展上，库尔贝公开发表了美术史上有名的现实主义宣言。

宣言主张要独创，要成为活的艺术，要忠于客观对象的表现。主张艺术家必须表现当代生活。这个宣言奠定了库尔贝在现实主义艺术中的重要地位。